L’onironauta

L’affascinante tecnica dello stop motion torna a farsi notare al cinema offrendo un buonissimo prodotto. Dal poco noto regista di “The nightmare before Christmas“ Henry Selick, ecco la storia di una ragazzina dal forte carattere che impara a distinguere il bene dal male, anche quando quest’ultimo si nasconde dietro i vividi colori di un mondo affascinate, attraente ma troppo perfetto.

Coraline e la porta magica è la definitiva prova che ormai i film d’animazione riescono molto più di quelli girati in live action a raccontare storie originali, interessanti e con lo scopo di trasmettere qualcosa di importante. E’ davvero interessante notare questo particolare di non poco conto perchè fino a poco tempo fa si pensava al “cartone animato” come ad un film il cui scopo era lo svago, diretto ad un target ben preciso mentre ora sono sempre più presenti  film che, realizzati con queste tecniche, si rivolgono ad una sfera di pubblico più ampia, permettendo anche agli adulti di godere delle meraviglie che tali film, spesso, offrono.

Henry Selick, già da tempo pioniere nel dirigere film in stop motion, si dimostra ancora una volta all’altezza del compito e riesce ad impacchettare un film davvero interessante sotto tutti i punti di vista ma purtroppo anch’esso non esente da piccoli problemi e difetti che non lo rendono il capolavoro che ci si potrebbe aspettare. La regia di Selick offre infatti alcuni spunti particolarmente attraenti, soprattutto nelle sequenze dell’”altro mondo”, creando movimenti di macchina che, uniti al facino del 3D, portano lo spettatore a provare vero e proprio stupore e a rimanerne incantato. La storia, adattamento di un romanzo di Neil Gaiman, è ben raccontata e permette una perfetta caratterizzazione dei personaggi principali, punto forte dell’intero film. La mancanza di un ritmo sostenuto caratterizzante tutto l’arco narrativo, rende il tutto un po’ troppo lento, cosa che potrebbe rendere a tratti noiosa la visione.

Cercando di analizzare il nuovo aspetto tecnico rappresentato dal 3D ci si ritrova finalmente davanti alla prova che questa tecnica uno scopo, oltre all’intrattenere, ce l’ha; la maggior tridimensionalità presente nell”altro mondo” può essere spunto di riflessione oltre al fatto che vengono accentuate alcune parti che rendono molto oniriche certe sequenze, un’eperienza da provare. Le musiche sono purtroppo poco incisive e si sente la mancanza di un tema centrale di carattere che si faccia ricordare anche dopo la visione.

Sommato tutto, il film rimane un prodotto di tutto rispetto che si distingue nella desolazione cinematografica presente in questo periodo, un film che riesce a trasmettere qualcosa che fa provare emozioni contrastanti e che fa uscire dalla sala per una buona volta soddisfatti.

Una breve tregua dagli esami universitari mi permette di dedicarmi un pochino a questo blog e a spendere qualche ora al cinema con gli amici.

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Nella saga cinematografica diventa il sequel de “Il codice Da Vinci” anche se cronologicamente, nel dittico letterario, le storie narrate in “Angeli e Demoni” si svolgono prima. Ron Howard torna dietro la macchina da presa per raccontare la nuova “avventura religiosa” di Robert Langdon, ancora interpretato da Tom Hanks, regalando un thriller un po’ vuoto e piatto.

Tratto dal primo libro di Dan Brown, Angeli e demoni parla del primo caso sottoposto all’ormai famoso esperto di simboli Robert Langdon che si trova a dover trovare un percorso nascosto tra le vie di Roma per individuare una bomba che, nel momento più vulnerabile della chiesa cattolica, minaccia di far sparire dalla faccia della terra la Città del Vaticano. Ron Howard è sicuramente un ottimo regista; è capace di alternare progetti di grande valore a prodotti d’intrattenimento e meno impegantivi ottenendo sempre e comunque molto successo. Angeli e demoni rimane però purtroppo un film ben girato, con ottime musiche e interpretazioni nella norma, un film che non lascia il segno e che nell’odierno panorama cinematografico non porta alcuna novità.

Registicamente parlando il lavoro svolto è eccellente, il regista è capace di utilizzare la macchina da presa come vera e propria protagonista del film, con un montaggio ben orchestrato il film rimane gradevole anche se non mancano difetti e imperfezioni. La sceneggiatura, come lo era già per “Il codice Da Vinci”, è il punto debole del film. Probabilmente parte del problema risiede nel tipo di storia da raccontare che richiede troppe spiegazioni che rendono il film troppo poco costante e lineare, i cali di ritmo sono dunque numerosi e non permettono allo spettatore di mantenere quello stato di ansia e “agitazione” che un buon thriller dovrebbe saper donare. Le interpretazioni sono, come detto, nella norma; Tom Hanks si comporta bene nei panni del simbolista e riesce a riproporre lo stesso personaggio presentato ne “Il codice Da Vinci”. Come al solito, Hans Zimmer propone una score molto adatta ed emozionante, le musiche sono un riadattamento dei temi del primo film con qualche novità; sicuramente la colonna sonora è ottima da ascoltare singolarmente, nel film viene forse un po’ sacrificata diventando troppo ripetitiva nei vari momenti della pellicola.

Tutto sommato Angeli e Demoni è un buon sequel, migliore del film precedente ma che rimane su un livello di mediocrità troppo comune nel cinema d’oggi. Contenuti poco interessanti, sceneggiature che presentano dialoghi mal scritti, personaggi poco attraenti e realistici sembrano ormai essere le caratteristiche principali del cinema moderno, fortunatamente con qualche eccezione. Speriamo che Ron Howard presto ci regali un altro film al livello del bellissimo “Frost/Nixon”.

E’ necessario il sacrificio di qualcuno per porre fine alla violenza generatrice di violenza, c’è bisogno che qualcuno si faccia da parte perchè il mondo è cambiato. I valori di una volta a cui si credeva fermamente e per i quali si combatteva vengono schiacciati e hanno perso la loro importanza, questo è il mondo di oggi.

 Walt Kowalski è un veterano della guerra in Corea e, vedovo da poco, si ritrova a vivere da solo nella sua casa in un quartiere dove ormai vivono solamente stranieri, cinesi di etnia Hmong. Razzista e poco socievole è in conflitto con la sua famiglia, non ha un buon rapporto con i suoi figli nè con i suoi nipoti perchè vede in loro la degenerazione di quei valori per i quali ha combattuto. L”unica cosa che lo rende fiero e felice è la sua preziosa Ford Gran Torino. Una serie di avvenimenti porteranno Walt a ricordare i brutti momenti del passato e a rivelare parti di se stesso nascoste da sempre.

Clint Eastwood è ormai una garanzia, ogni film che dirige merita le migliori lodi possibili e questo Gran Torino non è da meno. Le storie portate al cinema dal regista/attore sono sempre originali e poco scontate; nel panorama del cinema odierno, sovraffollato di film fotocopia, sequel e remake, si sente la forte necessità di storie come queste, genuine, vere, profonde, attuali e con un forte significato. Gran Torino analizza principalmente il tema del razzismo e della globalizzazione, del loro effetto sulle persone e di ciò che ne consegue. In questo contesto si inserisce il personaggio interpretato dall’ottimo Clint che non poteva scegliere ruolo migliore per dire addio alla carriera di attore. Walt Kowalski si evolve durante tutta la vicenda, inizialmente disgustato dalla presenza di così tanti stranieri nel suo quartiere si ritroverà poi a socializzare con loro e a condividere il suo tempo scoprendo di avere più cose in comune con loro che con la sua famiglia. Il razzismo dapprima caratterizzante la sua persona si dimostra poi essere soltanto uno scudo sotto il quale nascondere la sua paura, il suo senso di colpa, il suo profondo rimorso frutto di un passato vissuto in guerra, una guerra che lo ha distrutto perchè, come dice lui stesso: “Quello che ossessiona di più un uomo è ciò che non gli è stato ordinato di fare”. Tutto questo traspare dall’interpretazione di Easwood in modo eccellente, la continua espressione tirata e tesa sul suo volto racconta già da se il personaggio.

Come detto prima la storia è di quelle che non se ne vedono molte in giro. Merito di una sceneggiatura scorrevole e pregna di momenti forti e significativi, lo spettatore viene coinvolto in un turbinio di emozioni che crescono ad ogni secondo che passa fino al commovente finale. Interessante e di grande importanza è il personaggio del giovane prete che, con la sua insistenza e le sue parole, riesce a scavare nell’animo del protagonista e a fargli smuovere qualcosa all’interno che in qualche modo lo cambia. Uno dei tanti pregi del film è rappresentato dal fatto che non è mai noioso e che riesce a presentare momenti più leggeri e anche divertenti, giocando soprattutto sulle differenze e sulle incomprensioni tra le varie culture, in modo prefetto e mai fuori luogo. Le musiche giocano un ruolo importante, soprattutto nei momenti in cui si ripropone il motivo della guerra che rappresenta per il protagonista un necessario ritorno al doloroso passato. La prevedibilità del finale in altri film sarebbe un problema ma in questo non lo è perchè il finale è quello giusto. E’ difficile vedere un film che abbia una fine soddisfacente e, fortunatamente, Gran Torino, è uno di quelli. Sarei rimasto male nel vedere il film con una fine diversa proprio perchè quella effettiva è quella più adatta.

Insomma, Gran Torino è un film che merita un posto tra i grandi film di Clint Eastwood che sembra non essere mai stanco di fare capolavori. Mi stupisce il fatto che i suoi ultimi due film, “Changeling” e appunto “Gran Torino”, non siano stati presi in considerazione dall’Accademy per la serata degli Oscar ma questo non mi turba. Ora il buon Clint è già al lavoro sul suo prossimo film, “The human factor”, che già si preannuncia come un ennesimo grande film.

Randy “The Ram” Robinson era un wrestler professionista di successo alla fine degli anni ‘80. Venti anni dopo si paga da vivere esibendosi davanti ai suoi fan su piccoli ring nelle palestre dei licei e in piccoli tornei nel New Jersey; durante un incontro molto duro un infarto lo colpisce e lo costringe a chiudere definitivamente con il wrestling. Questo lo constringe a confrontarsi con se stesso, a guardarsi indietro e a riflettere sulla sua vita.

Finalmente è uscito anche nelle sale italiane l’acclamato film di Darren Aronofsky con Mickey Rourke, Marisa Tomei e Evan Rachel Wood. Voglio scrivere fin da subito che una volta finito il film sono rimasto incollato allo schermo per tutti i titoli di coda perchè mi ha davvero colpito molto. Un film estremamente struggente, doloroso e profondo. La storia mi ha toccato nell’animo emozionandomi come pochi film sanno fare. Gran parte del merito per questo risultato va sicuramente ad una grandissima interpretazione di Mickey Rourke che non sembra nemmeno recitare, si è trasformato nel personaggio diventando Randy Robinson; con la visione del film mi dispiace ancora di più per la mancata vittoria agli Oscar dell’attore che avrebbe davvero meritato. La vicenda narrata è semplice, lineare e scorrevole ma allo stesso tempo estremamente complessa e articolata perchè riesce, senza troppi giri di parole, a raccontare benissimo la situazione di un uomo che si ritrova a dover affrontare le sue paure. Il timore nel doversi confrontare con se stessi e con quello che gli altri vorrebbero vedere, la voglia ritrovata di ricostruire un’esistenza ricominciando dai rapporti umani che si hanno trascurato, il disagio provato nel trovarsi in una situazione che non si sente come propria, il dover per forza di cose essere quello che non si è.

Il lavoro di Darren Aronofsky dietro la macchina da presa è delicato ma significativo, l’uso della camera a spalla sottolinea l’incertezza e la paura del personaggio nei momenti in cui è a disagio anche se all’inizio potrebbe dare un po’ fastidio, non troppo invadente e quasi invisibile il regista firma un ottimo lavoro, in perfetta linea con la storia raccontata. Punto vincente, oltre agli attori, è sicuramente la colonna sonora firmata Bruce Springsteen, anch’essa delicata quando deve e forte e potente in altri momenti. La ricostruzione del mondo del Wrestling è quella che nessuno si aspetterebbe, la spettacolarità degli incontri e i deliziosi momenti “dietro le quinte” impreziosiscono ancora di più il film.

Difficile fare una critica su un prodotto che mi ha colpito così tanto, trovo difficile riuscire a vedere difetti importanti. Probabilmente l’unica cosa che non mi ha convinto pienamente è il personaggio di Evan Rachel Wood e di conseguenza la sua interpretazione che non mi ha colpito molto, prendendo comunque in considerazione il fatto che ha un ruolo molto limitato. Infine ho apprezzato molto, non so bene il perchè, il nero un po’ prolungato prima dei titoli di coda, mi ha letteralmente incantato, i pensieri in testa giravano come trottole ed ero quasi spaesato dopo un finale molto particolare e proprio per questo entusiasmante.

Non mi resta che consigliare a tutti la visione del film che secondo me poteva benissimo ricevere qualche riconoscimento in più di quello che ha effettivamente ottenuto. Difficile rimanere indifferenti davanti ad un prodotto tanto curato, come anche riuscire a trattenere le emozioni in presenza di una storia come questa; in fondo non è la storia di un uomo qualunque, è la storia di un wrestler.

Una delusione. Ho sperato fino alla fine in una specie di miracolo, credevo nella possibilità di una nottata sorprendente e piena di cose inaspettate e piacevoli ed invece tutto è andato come si poteva prevedere da tempo, pochissime sorprese, show abbastanza piatto, incolore fino a diventare quasi noioso.

Slumdog Millionaire porta a casa ben 8 statuette dorate, alcune delle quali assolutamente incomprensibili; un risultato alquanto esagerato, soprattutto prendendo in considerazione i diretti avversari del film di Danny Boyle che, secondo chi scrive, avrebbero meritato più riconoscimenti. I premi per le categorie più importanti (Miglior film e regia) a pochi giorni dalla cerimonia, con la consegna degli ultimi premi di categoria, erano quasi scontati anche se da parte mia poco comprensibili dato che ritengo Slumdog Millionaire un film godibile, ben diretto e ben scritto ma non proprio meritevole di un premio tanto prestigioso quanto l’Oscar. Il curioso caso di Benjamin Button vince solamente per il numero di nomination, infatti su 13 candidature riesce a portare a casa solamente 3 statuette e tutte in categorie tecniche (Miglior trucco, effetti visivi e scenografie), questo a parere mio doveva essere il film vincitore in assoluto perchè ottimo sotto tutti gli aspetti, migliore in tutto e per tutto a The millionaire.

Una piccola sorpresa proviene dalla vittoria di Sean Penn come miglior attore protagonista per Milk a discapito della più prevedibile vittoria di Mickey Rourke che rimane invece a bocca asciutta. Un’ emozionatissima Kate Winslet porta finalemente a casa il premio che le spetta da tempo anche se sembra più un riconoscimento alla carriera e per le numerose candidature fallite dell’attrice dato che la sua interpretazione in The reader è inferiore a quelle delle sue concorrenti. Facili da prevedere le vittorie di Heath Ledger, oscar postumo per il ruolo de il Joker ne Il cavaliere oscuro, e di Penelope Cruz nelle categorie per miglior attore/attrice non protagonista.

Wall•e vince solamente come Miglior film d’animazione, cosa per me abbastanza scandalosa; meritava assolutamente la vittoria anche nelle categorie Miglior colonna sonora, per lo stupendo il lavoro di Thomas Newman (Prima o poi lo vincerà un Oscar?) e Canzone per film, per Down to earth di Peter Gabriel, entrambe vinte inspiegabilmente da Slumdog Millionaire. Un po’ meno amara la sconfitta nella categoria Sound editing vinta meritatamente da Il cavaliere oscuro.

Per il resto, la parte migliore dello show è sicuramente Hugh Jackman che prepara uno spettacolo interessante in parte, con un’apertura  molto apprezzabile e divertente dove dimostra doti canore invidiabili insieme ad una grandissima Anne Hathaway. Divertentissimo Jack Black, che insieme a Jennifer Aniston, presenta in un modo alquanto inusuale, ma non per lui, la categoria dei film d’animazione.

Infine, vorrei non farlo, ecco gli imbarazzanti risultati delle mie, troppo speranzose, pervisioni (Ricordo che riguardano solamente le categorie più importanti). Su 10 categorie ne ho indovinate solamente… 5! Se inventassero un Oscar per le migliori previsioni non avrei alcuna possibilità di vincere. Un risultato alquanto deludente.

Recentemente, nonostante il periodo abbastanza impegnativo, sono riuscito ad andare al cinema spesso e a vedere quindi alcuni dei film che più mi interessavano.

Milk

Questo film è essenzialmente una perfetta ricostruzione storica della vita di Harvey Milk, primo uomo omosessuale a coprire una carica politica pubblica negli Stati Uniti d’America. Tutto il film è un vortice di emozioni continue. E’ impossibile non affezionarsi ai protagonisti grazie alle ottime interpretazioni di tutto il cast, soprattutto quella di Sean Penn che merita l’Oscar. Tutto il reparto artistico ha fatto un ottimo lavoro: ambientazioni, costumi, scenografie, tutto perfettamente credibile. Gus Van Sant firma una regia coinvolgente e il montaggio crea un continuo senso di attesa e di speranza. Nonostante l’esito della vicenda lo si conosca fin dall’inizio, la parte finale rimane molto d’effetto e funziona molto bene. Un film attualissimo nonostante si parli del passato, si parla di temi attuali in chiave storica, non c’era periodo migliore per fare questo lungometraggio. Lo consiglio vivamente a tutti.

Revolutionary Road

L’illusione della perfezione, la paura del cambiamento, la consapevolezza del fallimento e la ricerca di una soluzione. Il film di Sam Mendes parla di tutto ciò. Raccontando la storia di una famiglia apparentemente perfetta si approfondiscono temi importanti, attuali e molto presenti nella vita di tutti. Una visione triste e pessimistica della concezione comune di felicità. I temi molto interessanti sono trattati bene, la storia è adatta ma si fa troppa fatica ad avvicinarsi ai protagonisti, è difficile immedesimarsi in loro nonostante le ottime prove attoriali, Kate Winslet e Leonardo di Caprio formano una coppia formidabile. Una visione più ampia della vicenda avrebbe sicuramente aiutato il film a rimanere più impresso nella mente dello spettatore. La regia è ricca di spunti interessanti e la ricostruzione storica ed ambientale del tempo è perfetta. Nota molto positiva è rappresentata dalle musiche, esse accompagnano l’evolversi della vicenda in modo delicato e molto aderente. Personalmente mi aspettavo qualche cosa in più ma rimane un film di ottima fattura.

Il dubbio (Doubt)

“Il dubbio è un vincolo potente quanto la certezza”. Con queste parole Padre Flynn, interpretato da un ottimo Philip Seymour Hoffman, apre uno dei suoi sermoni domenicali, non ci sono parole migliori per descrivere il film che racconta la sua storia. La razionalità e la ragione sono spesso offuscate dalla certezza e dalla convinzione derivanti da ipotesi e supposizioni diventate fatti reali grazie all’influenza dell’egoismo e della natura stessa dell’uomo che è difficile da modificare nonostante l’evoluzione del mondo lo richieda; così nasce lo splendido conflitto che da origine alla storia de “Il dubbio”. Un ottimo film, interpretazioni perfette, tutti i personaggi sono raccontati a 360° e offrono personalità molto interessanti, tutte diverse e tutte ben approfondite. Il regista, tramite impercettibili movimenti di camera e strane angolature, rende il film mobile e dona un senso di incertezza nello spettatore che si ritrova molto coinvolto. Unica pecca è forse la troppa semplicità e linearità della trama, qualche complicazione in più avrebbe reso sicuramente la vicenda più coinvolgente che rimane comunque molto ben raccontata. Si poteva osare di più.